Tokoh Yang Lukisannya Selalu Menampilkan Kenyataan Hidup Yang Pahit Adalah

1. Melukis apa nan cak semau di bumi nyata

Naturalisme tumbuh misal penolakan terhadap aliran Romantisme nan caruk menganjurkan adegan mulai sejak imajinasi si pelukis.

Seniman Realisme doang melukis “hal-hal aktual”. Peredaran ini pergi tema yang mengandung keadaan-hal fiksi misalnya mite, visiun, cerita keagamaan, dan imajinasi sang seniman.

2. Bertema rakyat kelas bawah dan realita vitalitas mereka

Rotasi Realisme menjorokkan anggapan tradisional bahwa karya lukis terbatas sekadar menyorongkan adegan nan bersejarah dan dramatis saja.

Bagi seniman Naturalisme, kehidupan sehari-hari adalah sesuatu yang pantas untuk dilukiskan.

Tema lukisan Realisme majuh mengedepankan keseharian petani dan masyarakat kelas pekerja, vitalitas jalanan di kota, serta aktivitas restoran dan hiburan rakyat jelata lainnya.

3. Tidak mendramatisir / mengidealkan subjek lukisan

Artis Naturalisme berusaha menggambarkan “kenyataan objektif”, yaitu kejadian-hal yang memang terserah di mileu sekitarnya.

Bertolak belakang dengan Romantisme, persebaran Realisme menampilkan sisi “enggak” masyarakat, misalnya:

• Pemandangan kesengsaraan mahajana di abad ke-19
• Subjek dengan cucu adam yang cemar, kurus alias tua lontok
• Penggunaan rona nan gelap dan bersahaja

Lukisan Realisme tidak lagi menampilkan corak ideal Romantisme nan dibuat beralaskan imajinasi pelukis.

Adegan yang dramatis dan heroik digantikan makanya pencitraan aktivitas sehari-hari umum kelas. Begitu kembali dengan penggalan yang mengandung sosok bugil diperlihatkan apa adanya.

4. Mengandung wanti-wanti sosial politik

Golongan awam bawah yang muncul di karya Realisme seringkali merupakan “pesan” dari sang seniman.

Kaum pegiat nan kumuh dan berantakan ditampilkan secara syahdu, anggun dan bersahaja. Kerja keras mereka ditunjukkan misal sesuatu yang mulia dan digambarkan senyatanya lukisan historis yang megah.

Selain itu, artis Naturalisme juga sama sekali memperalat pemilihan subjek tersebut bakal mengias kebiasaan-sifat kaum bangsawan di abad ke-19.

Gustave Courbet adalah gembong gerendel mulai sejak kemunculan Realisme di abad ke-19.

Courbet lahir di ii kabupaten kecil Ornans yang dikelilingi pemandangan indah. Courbet katai bertunas dengan menyenangi bermacam rupa aktivitas di pedesaan, sebagaimana mandi di sungai dan bermain di padang rumput milik keluarganya.

Kedekatannya dengan sukma desa dan penduduk yang usia di sana mungkin berwibawa saat ia dewasa.

Courbet memegang teguh rasa lain gemar terhadap struktur nan ditetapkan Akademi Kekaisaran di Perancis. Sira menjorokkan corak Klasikisme dan Romantisme nan mengagungkan adegan biru dan teatrikal.

Laksana gantinya, Courbet bersikeras sekadar mau melukiskan apa yang bisa dilihat secara nyata. Lebih lagi sekalipun realita tersebut ternyata buruk rupa dan kotor.

Karya-karya Courbet seringkali mengundang kontroversi buat umum Perancis di abad ke-19. Engkau menantang tradisi seni yang berperan dengan mengutarakan keburukan-masalah sosial n domestik karyanya.

Seniman Realisme ini memilih subjek lukisan yang dianggap vulgar di waktu tersebut. Misalnya rakyat desa, petambak, dan buruknya kondisi kerja orang-orang miskin. Malah subjek “rendahan” itu disajikan dalam nisbah besar yang dikhususkan untuk lukisan historis dan religius.

Sebagai pendukung Republik, lukisan-lukisan Realisme ialah media bakal Courbet untuk mengangkat derajat petambak dan rakyat boncel berpokok tempat asalnya. Prinsip-kaidah tadi membuatnya dikenal andai tokoh nan lukisannya cak acap menampilkan kenyataan umur yang pahit.

Sebagai artis, Courbet menolak untuk mengelepai seutuhnya lega sistem pameran seni yang dijalankan negara. Anda mempelopori munculnya pameran spesifik yang bebas, tapi tetap menguntungkan secara komersial. Pendekatan ini diikuti banyak seniman yang tidak cak hendak pun mengekor kepada resan Akademi Kerajaan.

Walaupun sendiri ilustrator, Courbet dianggap misal inovator karena mendobrak adat istiadat lama. Karya-karyanya nan membuat pernyataan berani dinilai terdepan kerjakan seniman-seniman di tahun berikutnya.

Courbet menganut paham Sosialisme dan aktif berkujut dalam perkembangan politik Perancis. Ia sempat dipenjara karena keterlibatannya dengan Komune Paris, dan balasannya diasingkan di Swiss hingga tutup usia.

Lukisan Realisme
The Stone Breakers
(1849-1850) & Analisisnya

Lukisan
The Stone Breakers
menimbulkan sensasi besar saat pertama mana tahu dipamerkan di Salon (pameran legal Akademi Kerajaan) musim 1850.

Sebagai karya Realisme,
The Stone Breakers
menampilkan adegan arwah sehari-hari: 2 orang petani yang medium berkarya bersangkak batu. Lukisan ini berniat bikin menunjukkan betapa kerasnya pekerjaan yang dijalani rakyat miskin.

Courbet dengan sengaja tidak menyampaikan muka seorangpun n domestik komposisi lukisan. Petani-petani tersebut menyimbolkan “hamba allah biasa” dan ditujukan biar khalayak masyarakat boleh berkaca bermula sosok mereka.

Lukisan ini diinspirasi bermula pemandangan yang dilihat Courbet dalam perjalanannya juga dari Ornans. Ia menyaksikan penanam-pekebun nan sedang bersusah-susah untuk berdahan batu di pinggir kronologi.

The Stone Breakers
dipandang andai mahakarya Courbet yang permulaan. Sayangnya lukisan ini rusak karena peristiwa pengeboman di Dresden oleh Tentara Serikat dagang pada tahun 1945.

Lukisan
A Burial at Ornans
(1849-1850) & Analisisnya

A Burial at Ornans
adalah salah satu karya paling penting Gustave Courbet. Lukisan ini mendokumentasikan prosesi pekuburan pakcik Courbet yang dihadirinya di waktu 1848.

Dalam lukisan historis, biasanya seniman mencarter paradigma sebagai pemerannya. Tapi Courbet mengatakan mau melukis orang yang sama dengan yang melayat saat prosesi terjadi. Hasilnya ialah penggambaran yang sangat utilitarian berpangkal jiwa di Ornans, dan dari tiap-tiap pengambil inisiatif.

Lukisan
A Burial
mendapat pujian sambil kecaman, baik berpokok kritikus ataupun publik luas, karena mengusik tradisi lama.

Courbet melukis dalam ukuran 3,15 x 6,65 meter bikin
A Burial, hampir 3 kali lipat dibanding ukuran lukisan umumnya.

Ukuran tersebut hanya boleh dipakai untuk melukis tema historis, tentatif Courbet menggunakannya untuk situasi “sehari-masa”.

A Burial
dipandang andai “lukisan biasa” nan ingin masuk ke ranah “lukisan agung”. Mirip seperti anak adam bersepatu kotor nan memaksa masuk ke pesta bangsawan.

Lukisan ini pun dicela karena “cacat sentimentil”. Para tamu lain menampakkan pose teatrikal yang mencerminkan perasaan sedih. Paras subjek-subjeknya terlihat seperti karikatur, bukannya dilukiskan dengan ekspresi sani.

Tapi perlahan masyarakat mulai tertambat dengan pendekatan aliran Realisme. Corak Romantisme yang menayangkan kemewahan, kenikmatan dan fantasi kehilangan popularitasnya.

Courbet menanggapinya dengan mengatakan, “Lukisan Pemakaman di Ornans pada kenyataannya adalah pemakaman kerjakan aliran Romantisme.”

Gustave Courbet kemudian menjadi sosok terkenal. Banyak turunan memujanya sebagai jenius, walaupun sebagian yang lain menyebutnya sebagai “hamba allah tidak modern”.

Tapi Courbet lebih lagi terus mengompori meski awam menganggapnya ibarat penanam yang tidak terpelajar, temporer karya-karya yang dihasilkannya terus menaikkan ketenarannya.

Seumpama seniman Realisme, Courbet sangat aktif dalam jalan kebijakan di Perancis. Pasca- cucu adam-basyar mulai mengenalnya terbit karya-karya Realisme, Courbet membawakan ide-ide demokrasi dan Sosialisme. Wajahnya seringkali dibuat karikatur makanya media konglomerasi Perancis.

Edouard Manet adalah salah suatu perupa tadinya yang mengembangkan gerakan seni Realisme di Perancis.

Manet lahir di keluarga inferior atas. Ibunya memiliki garis anak cucu keluarga putra mahkota Swedia, sementara ayahnya adalah koteng wasit di Perancis.

Orangtuanya mengharapkan Manet berkarir di bidang hukum. Tapi Manet bersemi dengan kesukaan terhadap seni. Setelah 2 barangkali gagal n domestik eksamen masuk Angkatan Laut, akhirnya kedahagaan Manet untuk mempelajari seni diperbolehkan maka itu ayahnya.

Dalam berkreasi, Manet ingin memperbaharui dunia lukis dengan memasukkan konten baru ke dalam wadah nan sudah ada.

Ia memiliki sensitivitas hierarki terhadap tradisi historis, tapi digabung dengan sudut pandang baru berpunca Faktualisme. Gabungan kedua hal tersebut dianggap sebagai penyebab beraneka ragam impresi nan unjuk berasal lukisannya.

Berkebalikan dengan karya-karyanya yang mengail kontroversi, Manet berpendapat para pelukis seyogiannya tetap berusaha karyanya boleh dipamerkan di pameran resmi Akademi Kekaisaran.

Tapi saat karyanya tidak diterima di tahun 1867, Manet terpaksa mengadakan pamerannya sendiri. Ibu Manet kacau ia akan membuang-buang harta warisannya, karena acara pameran membutuhkan biaya yang sangat besar.

Pameran Manet detik itu mendapat ulasan buruk berpunca banyak kritikus, tapi usahanya tidaklah sia-sia. Di sana sira berkenalan dengan beberapa pelukis Impresionisme yang berpengaruh di kemudian harinya.

Seniman-seniman Impresionisme bernasib baik inspirasi semenjak Manet lewat teknik
alla prima
di lukisan-lukisannya. Tapi sebaliknya, Manet pula mengadaptasi dandan Impresionisme ke dalam berbagai karya selanjutnya.

Di pertengahan arwah 40, kesehatan Manet berangkat menurun karena penyakit sifilis. Sejak itu dia sekadar mewujudkan lukisan ukuran kecil dan jarang menciptakan karya berukuran besar lagi.

Karya besar terakhirnya adalah
A Bar at the Folies Bergere
(1822) yang berhasil dipamerkan dalam pameran resmi Akademi Kerajaan.

Komplikasi penyakit sakit sabun yang diderita Manet menyebabkan kaki kirinya harus diamputasi pada April 1883. Ia meninggal 11 masa setelahnya dan dikuburkan di Pemakaman Passy, Paris.

Lukisan
A Bar at the Folies Bergere
(1822) dan Analisisnya

Lukisan
A Kafe at the Folies Bergere
adalah mahakarya terakhir terbit Manet yang kesehatannya mutakadim menurun.

Karya ini mengutarakan cafe nan populer, Folies-Bergere, dengan majemuk pengunjungnya. Suasana yang ramai direfleksikan sreg cermin di pantat bani adam terdepan lukisan. Pantulan tersebut terkelok, Manet melakukannya cak bagi mengkhususkan antara mana yang “nyata” dan “buatan”.

Pelayan wanita yang berada di tengah atak menunjukkan penampilan yang sedih dan lelah. Pandangan matanya meninggalkan pengamat lukisan yang diposisikan sebagai pelanggan restoran dalam adegan ini.

Di atas kenap bar terdapat serangkaian bulan-bulanan
still-life
yang terdiri berpokok botol arak, bunga dan jeruk. Aliansi ini seolah memfaalkan Manet akan menghabiskan 2 tahun terakhirnya dalam hidupnya namun dengan melukis
still-life.

Jean-Francois Millet dikenal dengan lukisan-lukisan peladang yang sedang mengerjakan ladang dan konteks keagamaan yang cak semau di intern karya tersebut.

Berbeda dengan seniman-artis ki akbar lainnya, Millet dari mulai sejak batih pekebun yang sederhana. Sira tumbuh sambil bekerja keras menggarap ladang keluarganya. Millet baru mempelajari seni lukis saat berumur 19 tahun.

Kepekaan Millet bak seniman Naturalisme terbentuk pecah masa-masa hidupnya di desa. Ia memilih untuk bukan mengajuk corak lukisan megah nan ditetapkan Akademi Imperium.

Setelah berkeluarga, Millet menetap di negeri Barbizon bikin sejumlah momen. Sira juga senggang dekat dengan seniman-seniman Barbizon School sama dengan Theodore Rousseau.

Tapi selera artistik Millet membuatnya berbeda dengan seniman Barbizon School bukan. Seniman Naturalisme dari Barbizon School berfokus pada lukisan panorama, sementara Millet makin terpengaruh dengan kehidupan publik kelas bawah.

Millet memandang dirinya laksana bagian dari petambak. Engkau menjalani hayat secara sederhana, berkebalikan dengan pengaruh besar yang dimiliki karya-karyanya. Millet seorang koalisi menyibakkan rasa tidak nyaman saat berada di lingkungan awam kelas atas. Karena itulah dia memilih melukis hal yang paling dipahaminya, adalah kehidupan para petani.

Dalam berkarya, Millet menampilkan para penanam privat nuansa yang mulia. Perimbangan lukisan dan tendensi yang dipakai Millet sepatutnya dikhususkan bagi figur historis, tokoh dalam Injil, atau pahlawan mitologi.

Saringan artistik yang dibuat Millet sering membuatnya mendapat bermacam ragam dakwaan. Masyarakat di masa itu sangat bangun terhadap kelas bawah sosial, ditambah lagi iklim garis haluan Perancis  sedang bukan stabil. Banyak pihak menganggap Millet laksana pengikut sirkulasi ketatanegaraan sayap kiri. Tapi lega dasarnya Millet tidak memiliki ketertarikan dengan sepi politik.

Sebaliknya, camar duka tumbuh di keluarga nan sepan religius menciptakan menjadikan karya-karya Millet memiliki akar tunjang religiositas. Banyak lukisan-lukisan ikonik Millet nan menganjurkan skor keimanan misalnya
The Harvesters Resting (Ruth and Boaz),
The Gleaners, dan
The Angelus.

Walaupun mendapat habuan ulasan nan bermacam-macam saat karyanya ditampilkan di pameran resmi Akademi Kerajaan, Millet menjadi tersohor sejauh hari 1860an. Ia bernasib baik proyek mulai sejak banyak pihak, terdaftar bersumber pemerintah.

Masa-masa tua renta Millet dipenuhi dengan kesuksesan keuangan dan kepopuleran. Seniman Naturalisme ini menutup hidup di tahun 1875 setelah kesehatannya menurun beberapa lama.

Lukisan
The Gleaners
(1857) dan Keterangannya

Lukisan
The Gleaners
(1857) yakni keseleo satu lukisan Millet yang paling kecil dikenal.

Di ketika Millet masih kehidupan, Perancis memiliki tradisi yang mengikuti anjuran Bibel adalah merelakan sisa-sisa panenan jerami (disebut
gleaning
dalam Bahasa Inggris) tiduran di tipar. Tahi jerami ini boleh diambil oleh para dara dan anak asuh-momongan miskin untuk dimasak.

Tema nan sangat dekat dengan atma penduduk desa ini sering kali muncul di benak Millet selama 7 waktu kamu bermukim di Barbizon. Millet merasa tema ini kuat karena berbimbing dengan cerita dari Perjamuan Lama.

Lukisan
The Gleaners
dipamerkan dalam Salon 1857 dan membujur banyak serangan. Kritikus menilainya vulgar karena menganjurkan potret kemelaratan rakyat desa dengan valid.

Secara atak, karya Naturalisme ini menunjukkan sebuah petang di mana 3 wanita petani medium mengumpulkan residu berpokok jerami nan sudah dipanen.

Umur mereka yang miskin ditunjukkan melangkahi pakaian yang sederhana, bergairah dan kotor.

Tangan terjulur ke tanah dengan punggung nan terlihat nyeri

Tiap-tiap sosok wanita mengerjakan tugas yang farik. Wanita purwa mencari nanyan jerami, yang kedua mengambil granula jerami, dan yang ketiga mengumpulkan semuanya.

Paras mereka dilukiskan secara lain jelas, menandakan sosok-anak adam bisa berarti siapapun di masyarakat Perancis dan tidak spesifik kepada 1-2 turunan tetapi.

Di latar belakang terdapat dokar penuh jerami, sekumpulan petani lainnya yang menikmati waktu panen meluap, sendiri zamindar nan menunggang kuda, dan desa di kejauhan.

Kontras antara latar depan yang berbayang dan latar pinggul nan terang menggambarkan jarak. Penduduk yang miskin seolah ditinggalkan makanya penduduk lainnya nan makin merenggang.

Provisional laki-laki berkuda yang mengawasi panen menyimbolkan perbedaan kelas sosial dan bangsawan yang tidak perlu kerja garang.

Jerami-jerami yang tertinggal dan berjebai di latar depan, berkilau bagaikan permata di atas tanah.

Penggambaran ini membentuk cucu adam yang melihat lukisan mencatat bukan main berharganya jerami itu cak bagi para wanita tersebut, betapa sedikit yang mereka peroleh, dan betapa rumit penangkisan yang mereka lakukan lakukan sekedar bisa bertahan umur.

Walaupun penuh dengan kemiskinan, Millet melukiskan wanita-wanita tersebut dengan kehormatan. Mereka menampakkan ketangguhan di tengah kerasnya upaya mereka. Sosok-sosok berbaju sederhana tersebut pun mempunyai tubuh yang kokoh karena terbiasa dengan beratnya karier mereka sehari-musim.

Lukisan
The Angelus
(1857-1859) dan Keterangannya

Lukisan
The Angelus
membentangkan 2 orang petani ubi belanda dengan kepala menunduk.

Sang pria memegang topinya, dengan sebuah tercocok terukir di kapling. Si wanita menunggalkan tangannya untuk berdoa. Di belakang mereka terwalak gerobak dengan karung hasil panenan kentang. Sebuah keranjang berisi kentang terletak di antara laki-laki dan wanita itu, dengan ubi benggala-ubi belanda lain yang masih tiduran di sekeliling mereka. Langit menampakkan mentari berangkat tenggelam, dan di kejauhan tertumbuk pandangan menara gereja di desa.

Pada desa Katolik Roma di zaman Millet, gereja akan membunyikan loncengnya di penghujung hari. Warga desa nan mendengarnya akan menghentikan pekerjaan dan memanjatkan doa Angelus.

Walaupun punya kondisi yang primitif, perilaku adam dan wanita dalam lukisan tersebut menampakkan ketaatan. Baju yang primitif dan pundak nan melengkung menunjukkan pegangan sehari-perian mereka nan berat, tapi sosok mereka yang berdoa membentangkan kesungguhan dan ketampanan.

Secara komposisi,
The Angelus
diciptakan dengan dimensi yang biasa dipakai Millet. Subjek terdahulu diletakkan di latar depan, elemen penyokong gemuk jauh di belakang, dan dempet tidak suka-suka nan berada di antaranya.

Atak tersebut serupa dengan metode nan dipakai dalam karya Renaisans hak Leonardo Da Vinci dan Raphael. Tapi Millet melepaskan karyanya dengan menatanya secara horizontal seperti sebuah panggung berisi aktor. Ini yakni teknik dari sirkulasi Neoklasikisme.

Subjek petani kentang dalam
The Angelus
sudah pernah dibuat oleh Millet sebelumnya, yakni kerumahtanggaan lukisan
The Potato Harvest
(1855).

Ia mengulang subjek itu karena lukisan ini sebenarnya adalah titipan seorang musafir seni dari Boston. Millet menambahkan gambar katedral di kejauhan dan mengubah kepala karangan lukisan setelah sang pedagang gagal membayarnya.

Walaupun menjadi lukisan Millet yang minimal terkenal di kemudian hari,
The Angelus
pada awalnya enggak mendapat habuan tentangan suam.

Pertama kali dipamerkan pada tahun 1865, karya ini beberapa barangkali berganti pemilik tapi tidak mengalami peningkatan harga nan berjasa.

Sebagian orang menganggap penyuka karya ini membelinya semata-mata karena bersimpati pada Millet.

Seputar 10 tahun setelah kematian Millet, barulah harga
The Angelus
meningkat ekstrem. Penyebabnya yaitu pemerintah Amerika dan Perancis beradu penawaran privat lelang karya seni.

Beberapa waktu kemudian karya ini terjual setakat 800.000 Franc (sekitar 12,5 milyar Rupiah).

Ketimpangan antara skor lukisan Millet dengan miskinnya nasab berpunca Millet adalah keseleo satu galakan lahirnya aturan
droid de suite.

Aturan ini menyatakan ketika sebuah karya seni terjual, maka nasab dari sang seniman akan mendapat adegan dari hasil penjualan.

Dullah yakni riuk suatu pelopor persebaran Realisme di Indonesia, sekaligus pelukis historis di negara ini.

Dullah lahir laksana anak sulung di keluarga pengrajin batik. Ia permulaan kali membiasakan melukis pada umur 16 terbit S. Sudjojono dan Affandi.

Pada ketika ibukota Indonesia dipindah ke Yogyakarta, Dullah mendirikan kerubungan Seniman Indonesia Moeda (SIM) bersama Sudjojono.

Gerombolan ini diserahi tugas mendokumentasikan penangkisan pemukim Yogyakarta semasa Perang Kemandirian dalam bentuk lukisan.

Lewat kanvas, Dullah menampilkan bermacam rupa peristiwa bersejarah dan kejadian memilukan dari tahun sebelum Indonesia merdeka. Lukisan
Persiapan Gerilja
hingga masa ini masih dipajang di Istana Kepresidenan Bogor.

Bernasib baik lukisan-lukisan tentangan gerilya Perang Kemerdekaan Indonesia, nama Dullah start dikenal. Ia pun berbahagia sebutan “Ilustrator Sirkuit”.

Setelah masa independensi Indonesia, Dullah menorehkan heterogen pencapaian osean:

• Dullah dan rekan-rekannya dari Afiliasi Ilustrator Muda diberi tangan kanan dari pemerintahan Indonesia yang bau kencur cuma berdiri. Mereka ditugasi
  menciptakan plakat, lukisan dinding, dan susuk-bagan akan halnya balasan kemerdekaan Indonesia kerjakan menjaga semangat revolusi tunak membara di umum.
• Plong masa 1950, Presiden Soekarno, menunjuk Dullah laksana
  pelukis Istana Kepresidenan.
  Sepanjang 10 perian Dullah menjalankan tanggung jawab tersebut, ditambah lagi tugas
  mengkurasi seni rupa Keraton Kepresidenan
  dan
  merawat Bendera Merah Nirmala pertama kepunyaan negara.
• Dullah lagi ditugasi
  menyunting bentuk Garuda Pancasila.
  Fon negara Indonesia rancangan Sunan Hamid III tersebut pada awalnya bertubuh manusia. Dullah mengubahnya menjadi bentuk burung yang dikenal penduduk Indonesia sekarang, berdasarkan arahan Presiden Soekarno.
• Dullah
  menyusun siasat
  Lukisan-lukisan dan Patung-patung Koleksi Kepala negara Soekarno
  
  
  nan menjadi acuan untuk karya-karya seni bersejarah di Indonesia. Dari 4 jilid gerendel tersebut, Dullah mengerjakan 2 jilid mula-mula. “Buku-sosi itu merupakan salinan tertulis pertama adapun seni rupa Indonesia,” kata Dullah.
• Tidak hanya menjadi pelukis istana kekaisaran, Dullah juga adalah
  pelukis pribadi sekaligus juru foto bagi Presiden Soekarno.

Sesudah masa pengabdiannya di Puri Negara, Dullah menetap di Bali lakukan mengajar seniman-artis Indonesia yang kian taruna. Di masa tuanya, Dullah kembali ke kota asalnya, Surakarta, sebelum karenanya meninggal di Yogyakarta.

Sebagai seniman, Dullah dulu konstan. Ia konstan mempertahankan corak Realisme dalam karyanya, meskipun banyak seniman menganggap sirkuit ini sudah ketinggalan zaman.

Realisme sudah ditinggalkan oleh biasanya seniman Eropa lebih berpangkal 100 waktu nan sangat. Provisional di Indonesia, Naturalisme dianggap tidak lagi sesuai zaman semenjak 40 perian nan lalu.

Tapi Dullah mempercayai bahwa corak lukisan bergerak begitu juga halnya lingkaran kehidupan. Tren seni akan berputar sekali lagi ke titik asalnya.

1. Naturalisme bertema publikasi yang menengah terjadi di periode tersebut, sementara Romantisme bertema adegan historis atau fiksi.

Seniman Faktualisme menjeput inspirasi dari apa yang terjadi di masyarakat. Pelukis Romantisme memilih subjek karya dari mitologi, cerita Bibel, atau dramatisasi adegan bersejarah.

2. Realisme mengomentari fenomena sosial politik, darurat Romantisme tidak.

Lukisan Faktualisme berangkat berusul permasalahan di umum, misalnya petani nan bekerja keras dengan upahnya minim. Keburukan-masalah “mayapada nyata” tersebut berusaha disampaikan kepada golongan masyarakat lain untuk dilihat. Sementara karya Romantisme lain pergaulan mengangkat masalah “rakyat protokoler”. Adegan privat Romantisme didramatisasi buat menanamkan pesan moral seperti heroisme dan patriotisme. Karena itulah berbagai seniman mural zaman Renaissance memilih Romantisme untuk ditampilkan melewati
teknik lukis tembok.

3. Realisme menunjukkan subjek secara jujur, sementara Romantisme menafsirkan subjek menjadi bentuk ideal.

Seniman Naturalisme mencitrakan mahajana kelas asal sebagaimana mereka terlihat: bermeduk, letih, kurus dan berantakan. Provisional pelukis Romantisme menampilkan subjek lukisannya laksana pria yang bagak dan wanita yang resik rupawan.

1. Realisme menggambarkan hal yang “nyata”, sementara Surealisme mencitrakan hal di asing pengetahuan.

Seniman Naturalisme melihat barang apa nan terjadi di sekitarnya dan menyampaikan realita tersebut apa adanya. Senirupawan Surealisme berusaha menyampaikan realita vitalitas melalui tampilan nan mistis dan aneh, seolah ingin menarik pengamat lukisannya masuk ke mayapada enggak.

2. Realisme bersumber bermula marcapada nyata, sementara Surealisme bersumber dari diri pelukisnya.

Lukisan Realisme menganjurkan khalayak dan hal yang memang suka-suka di masa tersebut (mualamat independen). Sebaliknya karya Surealisme mengekspresikan filosofi dan perasaan sang seniman berdasarkan teori asal sadar berasal psikoanalisis Sigmund Freud. Pelukis Surealisme mempercayai interpretasi impi dan mengeksplorasi tesmak-sudut gelap perasaan dahulu lukisannya.

3. Faktualisme bersifat sosial, provisional Surealisme bersifat personal.

Lukisan Realisme bertujuan memunculkan pesan sosial atau mengomentari fenomena yang ada di masyarakat. Karya Surealisme bertujuan mengaktifkan pikiran bawah sadar manusia dengan memperalat rencana/lukisan.